Moderne Kunst Amerika

Zeitgenössische Kunst Amerika

Edited by Pinakothek der Moderne/Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Munich, text(s) by Corinna Thierolf. Als Bannerträger der Moderne hatte New York Paris abgelöst. In diesem Streit hat die französische Seite die amerikanische Kunst als "zu abstrakt" eingestuft. Die Sammlung prägte den Kanon der US-Kunst. WIRD DIE NEUE MONOGRAPHIE ZU EINEM DER WICHTIGSTEN KÜNSTLER UND KUNSTLEHRER DER AMERIKANISCHEN MODERNE.

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Kunst in den USA hat sich von den Rollenbildern der Alte Welt im zwanzigsten Jh. gelöst. Die Bereiche Kunst, Kultur, Musik, Kino, Schauspiel, Tanz and Baukunst sowie andere künstlerische Ausdrucksformen wurden bereichert und umgestaltet. Die zeitgenössische Kunst- und Entertainment-Szene in den USA umfasste die Erneuerung der musikalischen Tradition, neue Entwicklungen im Modern Dance, die Nutzung originalgetreuer, originaler, in den USA beheimateter Motive im Bereich des Theaters, die Studio-unabhängige Produktion von Filmen in ihrem gesamten Spektrum und die Internationalisierung der Bildwissenschaft.

Amerikanischer Bau ist außergewöhnlich kompliziert, sowohl im Sinne der verschiedenen Überlieferungen, die ihn beeinflusst haben, als auch in der Vielfalt der Architekturstile. Die Romantik spiegelte sich in der Hälfte des neunzehnten Jahrhundert in der Neubelebung der verschiedenen Architekturstile wider, wie z.B. dem neugriechischen Baustil mit symmetrischer Säule und der Neugotik mit spitzer, schiefer und asymmetrischer Form.

Der eleganteste der ersten Hochhäuser wurde von Louis Sullivan, dem ersten großen zeitgenössischen Architekt Amerikas und Lehrmeister von Frank Lloyd Wright, entworfen. In der National Mall in Washington, D.C. gelegen, beherbergt das Museum eine riesige Kollektion von Kunstgegenständen, die die Geschichte und Präsenz der USamerikanischen Kulturszene und deren Gesellschaften aufzeigt.

Die National Gallery of Art Sculpture Garden, die jüngste Sehenswürdigkeit der National Mall, ist ein Rastplatz mit schattenspendenden Gehölzen, Wasserwegen und zeitgenössischen Kunstgegenständen. Wie bei der Kunst der Kunst wurde auch bei der Kunst die Gründung der ersten bekannten US-Malschule, der sogenannten Huddson River School, verzögert, bis die Kunstschaffenden begriffen, dass die Neue Welt ihre eigenen Motive anbietet.

Der direkte und einfache Blick der Bilder der Gemälde von Winslow Homer, der die ländlichen USA in seinen Gemälden festgehalten hat, beeinflusst. Schon bald wurden strittige Punkte zum Stile amerikanischer Kunst. Seit Beginn des zwanzigsten Jahrhundert ist die US-Gemälde und Skulptur eine Auflehnung gegen die Überlieferung.

Nach dem Zweiten Weltkrieg gründete eine junge New-Yorker Künstlerschaft die erste wirklich amerikanisch geprägte Strömung, die auch auf fremde Kunstschaffende einen großen Einfluß ausübte: den sogenannten abstract expressionism. Popkünstler wie Andy Warhol, Larry Rivers und Royal Liechtenstein reproduzieren mit satirisch präzisen Alltagsgegenständen und Bildern der US-Pop-Kultur wie Coca-Cola-Flaschen, Suppenbüchsen oder Comics.

Neue Arbeiten entstanden vor allem als Beiträge zur laufenden Auseinandersetzung mit der Kunstdefinition ý vgl. auch: New York School, Lyrical Abstraction, Black Paintings. Zeitgenössisch orientierte Amerikaner wollen sich nicht auf eine Schule, einen Stil oder ein einzelnes Mittel einlassen. Die Kunst Amerikas wird nicht mehr nur durch Geographie, Ursprung oder Sichtweise determiniert.

Vielmehr haben die Internationalisierung der MÃ??rkte, die Einfachheit der globalen Verständigung und die Wanderung von KÃ?nstlern von Staat zu Staat zu einer Kunstwelt ohne fixe NationalitÃ?ten gefÃ?hrt. Die moderne US-Kunst kann nicht mehr als eine Folge von formalen Weiterentwicklungen oder als eine Folge von Kunstrichtungen beschrieben werden.

Kunst hingegen ist ein Weg, die vielfältigen und sich widersprechenden Daten zu durchleuchten. Moderne Kunst nutzt jede Fachdisziplin, jede Kunst-Tradition und jede Art der Präsentation und wird so ebenso vielschichtig, provokant und geistig anspruchsvoll wie die eigene Schöpfung. In den USA gab es bis zum Ende des neunzehnten Jahrhundert keine eigene Klassik, d.h. Symphonie, Opern, Kammermusik, Klaviersonaten etc.

Erst 1895 rief der Schriftsteller Antonín Dvo?ák seine nordamerikanischen Kolleginnen und Kollegen auf, lokale Ressourcen als Quelle der Anregungen und des Materials zu nützen. Seine Symphonie "From the New World", die von spiritueller und indischer Rhythmik geprägt ist, war ein Beispiel dafür, was machbar ist. Zu Beginn des zwanzigsten Jahrhundert begann der Aufbau einer bemerkenswerten Bandbreite an unverwechselbarer klassischer Musik.

Charakteristisch für die Kompositionen im großen Teil des zwanzigsten Jahrhundert und besonders für die Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg ist die Freude am Experimentieren und die ständige Suche nach neuen Wegen wie z. B. dem Komponieren von neuen Stücken. Karl Ives (1874-1954) wird von vielen als der "erste" echte amerikanische Schriftsteller angesehen. Das Stück "Leonora" von William Henry Fry von 1845 ist die erste berühmte Vorstellung einer Opernoper eines Amerikaners.

In vielen der früheren Opernaufführungen wurden die klassischen europäischen Werke verwendet, doch Ende des neunzehnten Jahrhundert wandten sich die Autoren mehr und mehr amerikanischer Thematik zu. Manche Autoren, wie Edgar Varèse, lehnen die traditionellen Klänge und Harmonien ab, während andere, wie John Cage, mit der elektronischen und natürlichen Klänge experimentieren. Die Bluesmusik ist eigentlich amerikanisch.

Es ist aus einer Vermischung von europäischen und afrikanischen Musiktraditionen entstanden. Die Bluesmusik wurde hauptsächlich im südlichen Teil singen. Seit den 1920er Jahren wird der Blau verstärkt von Jazzmusikern ausgenutzt. Jazzmusik ist die erste wirklich amerikanisch geprägte Form der Musik. Sie hat ihre Ursprünge im New Orleanser Jazzmusik des beginnenden zwanzigsten Jahrtausends. Zu dieser Zeit war es eine Mixtur aus Ragtimes, Sklaven- und Bläsermusik.

Von den 1920er bis in die 40er Jahre hinein bleibt der Jazzmusiker die hervorragende Vorreiterrolle. Das Rhythm & Blues-Zeitalter erstreckte sich von den ausgehenden 40er Jahren bis in die ersten Sechziger. Der Rhythm & Blues war eine Mischung aus Jazzmusik und anderen musikalischen Stilen mit lyrischem Gehalt, akustischer Gestik und dem Bluesformat.

Aus der Verbindung von Rhythm & Blues und Country-Musik entstanden in den 1950er Jahren rockig. Rhythm & Blues wurde in den 1960er Jahren zum Soul. Viele Jazzer haben in den 70er Jahren mit elektrischen Instrumenten experimentiert und Fusionen geschaffen, eine Mixtur aus Pop und Jazzform. In den 1960er Jahren wurde ein anderer, von der afroamerikanischen Musik beeinflußter Stil populär: eine Mixtur aus Rhythm & Blues und Gospel wurde als Soul bekannt.

In den frühen 1950er Jahren verliert der Jazzmusiker seine Ausstrahlung. Aus Rhythm & Blues ist eine neue Art moderner Rock and Roll-Songs mit kräftigen Rhythmen und provokanten Songtexten entstanden. Damit die neue Version dem konservativeren Zielpublikum nahe kommt, spielten die weißen Musikanten Rhythm & Blues-Songs mit weniger starkem Beat und etwas zurückhaltenderem Text.

Insbesondere die Verleugnung der bürgerlichen Rechte für die schwarzen US-Bürger und die Beteiligung der USA am Vietnam-Krieg wurden in solchen Protestliedern vorgebracht. Ende der 60er und Anfang der 70er Jahre haben junge Musiker wieder einmal die traditionellen Country-Elemente in die Rock-Musik integriert. Anders als der bei den gesellschaftlichen Schichten nicht mehr beliebte Blau ist die Ursprungsform der Country-Musik, vor allem des Bluegrasses, auch heute noch als eine Sorte "Volksmusik" beliebt, vor allem im südlichen Teil der USA.

Moderne Country-Musik entstand in den 1920er Jahren mit dem Anfang der Vermarktung kommerzieller Musik, etwa gleichzeitig mit der wachsenden Abwanderung der Stadtbevölkerung. Es hat sich zu einem volkstümlichen, auch internationalen Musikstil entwickelt, der aber immer noch sehr eng mit der Aesthetik und den Werten der südamerikanischen Staaten verknüpft ist.

Gegründet wurde der Film von afroamerikanischen und lateinamerikanischen Künstlern in New York City in den 70er Jahren. Der Hip-Hop nutzt viele der gleichen Eigenschaften, ist aber mehr tanzgetrieben als die Textnachricht. Bei zeitgenössischer Popmusik mischen sich die verschiedenen Stilrichtungen sehr gut. Eine neue Gattung, "World Music", war geboren.

Seit jeher ist der American Theatre Dance von einer Kombination aus einheimischen und importierten Elementen durchdrungen. Jahrhundert fanden die Tänze hauptsächlich im Privat- und Kommunalbereich statt, kaum im Kino oder auf der BÃ?hne. Die Tänze spielten jedoch eine wichtige Rolle für öffentliche Feste, Vergnügungen und Theateraufführungen. Das Aufkommen des American Dance geht auf das Ende des neunzehnten Jahrhundert zurück, als lokale Einrichtungen und Kunstschaffende gegründet wurden.

Varietés zeigte Stepp- und Spitzentänze, Comic- und Moraltanzketchen, Adagio-Teams, Standardtänze, Rocktanz, künstlerischen oder interpretatorischen Tanzeinlagen und Sonderaufführungen in verschiedenen Ethnien. Jahrhunderts brachten die europäischen Tänzerinnen und -tanzer das amerikanische Publikum zum ersten Mal auf einer breiten Grundlage an das traditionelle Ballet heran. Das amerikanische Tallett wurde maßgeblich von den schöpferischen und künstlerischen Beeinflussungen der weltberühmten Choreografen George Balanchine, Anthony Tudor und Jerome Robbins beeinflusst.

Die drei waren mit einer der beiden größten Ballettkompanien der USA verbunden, der School of American Ballet, die 1934 als New York City Ballet seit 1948 existiert, und dem American Ballet Theatre, das 1940 ins Leben gerufen wurde. Heutzutage ist die nordamerikanische Balletszene ein Mix aus wiederbelebter Klassik und neuen Stücken. Zu Beginn des zwanzigsten Jahrhundert ist eine neue, typischerweise amerikanisch anmutende Kunstrichtung entstanden - der Modern Dance.

Moderner Ausdruck ermöglicht es dem/der KünstlerIn, seine/ihre eigene Sicht auf die Umwelt zu entwerfen und durch seine eigene physische Anwesenheit und Gestalt auszusprechen. Martha Grahams New Yorker Tanzkompanie ist wohl die berühmteste Repräsentantin des Modern Dances. Afrikanischer Ballett und schwarze Tänze wurden von Alvin Ailey integriert.

Vielleicht ist es aber die westliche Küste der USA mit ihrem speziellen Einfluß auf den Pazifik, wo der moderne Ausdruckstanz seine ursprünglichste Ausprägung hat. Das in San Francisco ansässige Unternehmen bietet eine einmalige Kombination aus traditionellem chinesischem Bühnenbild, internationaler Popmusik und Post-Moderne.

Sein Ensemble, Robert Moses' Kin, vermischt in neuen Arbeiten mit lockeren Bewegungsabläufen und einer strengen Postmodernsyntax Tanz, die zusammen einen Auszug aus dem afroamerikanischen Leben vermitteln, eine universale Tanzbotschaft vermitteln und vielleicht vor allem ein faszinierendes Theater-Erlebnis sind. Die Anfänge des American Theatre gehen traditionsgemäß auf die Einreise von Lewis Hallams englischer Truppe in Williamsburg im Jahre 1752 zurück.

In Charleston entstanden die ersten Theaterbauten (Dock Street Theater), Philadelphia, Newport, New York und Boston. In Jersey City eröffnete am 24. März 1928 das bisher grösste amerikanische Theatertheater. Jahrhunderts waren sie weitläufig und die zwei Dekaden vor und nach der Jahrtausendwende können als die goldene Zeit des Theatergeschehens beschrieben werden.

Jahrhundert bot das Schauspielhaus ein vielseitigeres und zugleich spezialisiertes Programm. Das Publikum konnte zwischen klassischer Theateraufführung, Ballet, Varieté, Farce und Opern aussuchen. Die Sorte entwickelte sich in der zweiten Jahreshälfte des neunzehnten Jhd. Schon seit den 40er Jahren entstand das sehr beliebte Musikgenre der Minstrel-Shows, in dem schwarzgemalte Darsteller afro-amerikanische Stereotypen inszenierten.

In den 1880er bis 1930er Jahren zog die Variety mit ihrer Mixtur aus Komposition, Comedy, neuen Zahlen und Satiren eine große Zahl von Besuchern an. Mit der Filmentwicklung änderte sich die Theaterlandschaft und in den frühen 1920er Jahren hatte das Haus sein Publikum verlor. Selbst wenn Hollywood dem Publikum sein Publikum vorenthalten hat, so hat diese Weiterentwicklung auch den Bühnen ermöglicht, ihre Stärke zu entfalten.

Anfang des zwanzigsten Jahrhundert vollzog sich eine Wendung hin zu ernsthafter Dramatik und innovativem Bühnenschaffen. Das Musiktheater des zwanzigsten Jahrhundert ist der größte Exportschlager des ganzen Kontinents. Seit den Kolonialzeiten wird das Stadttheater von den Musikern musikalisch untermalt, aber erst in den 1780ern wurden lokale Arbeiten geschrieben. Im Jahre 1866 wurde The Black Crook gespielt, das erste American Music.

Singen, Tanzen und Vergnügen wurden auf ein bestehendes Volksspiel übertragen. Am Ende des neunzehnten Jahrhundert gab es in der amerikanischen Musikszene eine Vielzahl von Genres: Operetten, Themenmusicals und Revuen, die ihre Ursprünge in den "Minstrel Shows" hatten. Auch wenn der Tänzer schon immer ein Teil des Musikalischen war, wurde er erst in den 1930er Jahren stärker mit der Erzählung verknüpft.

Mit der Inszenierung von "West Side Story" im Jahr 1957 ist der Film ein fester Bestandteil der Historie. Allerdings hat der Rock'n' Roll den Broadway als Impulsgeber für die US-Pop-Musik abgelöst. Amerikanisches Schauspiel lässt sich heute in drei Bereiche einteilen. Andererseits gibt es viele gute Regionaltheater, die die besten Neuproduktionen aufführen.

Diese werden von Kompanien, Vereinen, Verbänden und der Politik getragen, und für einige kritische Stimmen sind regionale Bühnen die grösste Chance für das American Theatre. Irgendwann wurden neue Stücke am amerikanischen Fernsehen uraufgeführt. Doch seit einigen Jahren gibt es ein gutes Verhältnis zwischen gewerblichen und nichtkommerziellen Bühnen, die oft als Residenz- oder Regionalbühnen bezeichnet werden, um neue Stücke aus Amerika zu fördern.

Die beiden Bereiche der US-Theaterbranche, die immer auf der Suche nach neuen Produktionen sind, ergänzen sich heute gleichermaßen. Musikalische Stücke mögen noch am Broadway herrschen, aber er produziert auch einige große neue Amerikaner. "Aktuelle Bilder" sind zwar keine US-Entwicklung, aber sie sind der hervorragende deutsche Beitrag zur weltweiten Unterhaltsamkeit.

Zu Beginn des zwanzigsten Jahrtausends, als dieses Mittel noch sehr jung war, haben viele Einwanderer eine Anstellung in der US-Filmbranche gefunden. In der sogenannten Blütezeit von Hollywood in den 30er und 40er Jahren wurden in den Filmstudios etwa 400 Kinofilme pro Jahr produziert, die von 90 Mio. Amerikanerinnen und Europäern pro Tag inszeniert wurden.

In den großen Studios arbeiteten mehrere tausend Angestellte und hatten landesweit mehrere hundert eigene Lichtspielhäuser - ein Kino, das seine Werke zeigte und stets Bedarf hatte. Bemerkenswert ist, wie viel hochwertiges Entertainment in einem so straffen Ablauf geschaffen wurde. Einer der Gründe dafür könnte sein, dass nicht jeder wegen der großen Zahl der hergestellten Spielfilme ein großer Erfolg werden musste.

Aufgrund der riesigen Aufwendungen für Schauspielgebühren, Studiomanagement und Agenturen sind Kinofilme heute entweder große Kassenerfolge oder komplette Pleiten, je nachdem, wie sehr die gewaltigen Aufwendungen mit dem Publikumsgeschmack übereinstimmen. Ende der 1960er Jahre bis Ende der 1970er Jahre erlebt die US-Produktion eine verblüffende Wiedergeburt. Kaum eine andere Zeit haben die amerikanischen Filmemacher die Erfahrung und die Wertvorstellungen ihrer Betrachter so sehr mit ihren Werken beeinflusst.

Einer der Gründe für diese Wiedergeburt war die Ungewissheit der großen Hollywood-Studios, welche Spielfilme rentabel sein würden oder was die in den 1960er Jahren aufgewachsenen Jugendlichen wollten. Auch wenn die Kinofilme der vergangenen 15 Jahre überwiegend von Hollywood gefördert wurden, sind sie immer noch äußerst "off-beat" und bezeugen die Vielfältigkeit der US-Kinokunst.

Kein anderes Filmstudio ist so einflussreich und gelungen, innovative US- und ausländische Spielfilme wie z. B. das von Harvey Weinstein zu fördern. Obwohl also ein amerikanischer Spielfilm ohne Zweifel ein kommerzieller ist, steht der Wille, Gewinne zu erzielen, nicht im Widerspruch zu dem Bestreben, einen originalen und provokativen Spielfilm zu machen. In der Tat waren einige der denkwürdigsten Werke der vergangenen 40 Jahre, von "The Godfather" bis "The Hours", sowohl wirtschaftlich gesehen ein Erfolg als auch künstlerische Ansprüche.

Mit Stipendien fördern die beiden Nationalstiftungen National Endowment for the Arts (NEA) und National Endowment for the Humanities (NEH) Einzelkünstler und Naturwissenschaftler sowie kunst- und geisteswissenschaftlich tätige Einrichtungen. Die NEA hat in den 40 Jahren ihres Bestehens ihre Mittel genutzt, um Privatspenden zu fördern und damit allen Amerikanerinnen und Europäern den Weg in die Kunst- und Kulturwissenschaften zu ebnen.

Von Claus Bernet, Alan L. Nothnagle: Christian Art aus den USA.

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