Wege zur Abstraktion Kunst

Möglichkeiten der Abstraktionskunst

den gegenständlichen Stil der Malerei verlassen und sich der Abstraktion zuwenden. Den Weg Picassos in die Abstraktion verstehen. Kunstschaffende, Galerien, Kritiker: Manhattan ist das Herz der zeitgenössischen Kunst. in Öl: Abstrakte Malerei ist ein integraler Bestandteil der Kunst. Abstrakt bedeutet "wegziehen" oder "loslassen".

Weg zur Abstraktion

Abstraktion bestimmt die Kunst des zwanzigsten Jahrtausends. Zahlreiche Kunstschaffende und -gruppen widmeten sich ihr und entwickelten ständig neue Varianten der gegenstandslosen Kunst. Kurze Historie der Abstraktion. Das ist der große Knall der Kunst. Der Aufschwung der Abstraktion kulminierte und der Suprematismus entstand. Noch nie vorher hatte ein Kunstmaler ein Gemälde so reduziert in Gestalt und Farben malt.

Wofür steht der Ausdruck "abstrakte Kunst" überhaupt? In einem abstrahierten Gesamtkunstwerk sind keine Bezugspunkte der darstellenden Kunst zu erkennen. Viele argumentieren jedoch, dass jedes Naturbild letztendlich eine Abstraktion ist, weil der Maler die Sachen in seinen Gemälden hervorhebt und andere nicht beachtet oder auslässt. So ist ein Abstraktbild auch ein solches ohne den Charakter eines Bildes.

Eigentlich nicht, denn in den meisten FÃ?llen basiert ein Image auf einem Prozess der Abstraktion, dessen individuelle Bestandteile sicherlich in der gegenstÃ?ndlichen Lebenswelt zu suchen sind. Die Abstraktion hatte bereits Anfang des neunzehnten Jh. angefangen. Zu den ersten Abstrakten gehörte der romantische William Turner (1775-1851). In der zweiten Hälfte desselben Jahres verkündeten sie das Ende der Kunst in Akademie und Salon.

Dem wollten die impressionistischen Künstler etwas Einmaliges und Neuartiges entgegensetzen: einen Hauch von Glanz und Farben. Doch auch ein anderer Künstler des neunzehnten Jh. zählt zu den Vorreitern der Abstraktion: Vincent van Gogh (1853-1890). Ihr Charisma verdankt das Image den starken Emotionen und der dynamischen Kraft, die sich nicht zuletzt aus der für Van Gogh charakteristischen Abstraktion ergeben.

Nicht mehr in ihrer naturgetreuen Darstellung sind die Cypressen erkennbar, sondern in ihrer Gestalt und Färbung, die sich in rauhen Strichen ins Bilde hieven. Paul Cézannes Gemälde wurde der letzte Zäsurpunkt in der Kunst. Für ihn war die Formensprache ein Ergebnis der Farben, aus diesem Wissen heraus hat er seinen eigenen Stil entwickelt.

Die Farbaufbringung arrangierte er in gleichmäßigen Abständen und modulierten Volumen durch pure Farbe statt durch Farbmischung. Sein Werk wurde zu Anfang des zwanzigsten Jahrhundert zum Modell für eine junge Malergruppe. Die kubistische Kunst wurde zum ersten wirklichen Schritt zwischen der gegenständlichen und der Abstraktion. Zeitgleich mit dem Kuba entstanden in Italien eine weitere Variante der Abstraktion: der Zukunftsmusik.

Selbst wenn die Vorstellungen der Cubisten und Zukunftsforscher gleich waren, wollten die Zukunftsforscher vor allem in ihrer Kunst Beweglichkeit und Dynamismus durchsetzen. Für die Zukunftsforscher bedeutet Simultanität die Dynamisierung und Simultanität der Strömungen in der heutigen Zeit. Die Abstraktion hat auch in Deutschland Einzug gehalten. Zwischen 1905 und 1925 entwickelte sich der Ausdruck des expressiven Malens Als Gegenstimme zum lmpressionismus war eines der Hauptmerkmale der expressionistischen Kunst die Abwendung von der Außenwelt zugunsten des Ausdrückens innerer Gefühle des Künstler.

Das idealisierte Menschenbild des neunzehnten Jahrhundert wurde durch die Schilderung des Mannes ersetzt, der von Unbekanntheit, Abgeschiedenheit und Verfremdung der Metropole geprägt war. Durch den radikalen Abbau von Perspektiven, Bildstruktur und Wirklichkeitsnähe, die Flachheit der Formen sowie die Anwendung von reinen Farbtönen entstehen tief emotionale und strahlende Bilder. Es entstanden drei Expressionismuszentren.

Im Norden Deutschlands waren es Paula Modersohn-Becker und Emil Nolde, die sich dem Ausdruck widmeten. Kandinskys Werke neigten besonders zur Abstraktion. Er war für viele sogar der Begründer der klassischen Abstraktion. Aus intellektueller Sicht nähert sich der Künstler seiner Kunst und wird ein großer Theoriegelehrter der Abstraktion.

Kunst hatte für ihn keinen gesellschaftlichen Sinn, sondern war "nur ein symbolischer Akt der Schöpfung, voller Selbstbewusstsein. Somit widersprach er anderen Künstlern, die mit ihrer Kunst auch die gesellschaftlichen und gesellschaftlichen Umbrüche anstreben. In einer immer komplexeren und unübersichtlicher werdenden Umwelt hat Kandinsky eine Ästhetische Umdrehung eingeleitet, ein Bild von Symbolen und Schilder.

Das Motiv der Gemälde war kein Motiv mehr, sondern nur noch Anlass zum Malen. Formen, Farben und Oberflächen wurden unabhängig. Picasso und Braque feiern mit ihrer kubischen Kunst Erfolg, doch es entsteht Widerstände gegen den Formprimat, wie er von den Kubaisten repräsentiert wird. Das Hauptziel der Künstler waren die idealen Proportionen und Zahlen als Mittel der "reinen Malerei".

Aber vor allem wurde die Farbigkeit wieder zum Schwerpunkt. Zusammen mit seiner Ehefrau Sonia hat er eine neue Kunstbewegung entwickelt, die später den Namen Orphik erhielt. Durch die Fragmentierung des Bildobjekts und die Verwendung von Komplementärfarben kam es zu einer gewalttätigen Eigendynamik. Diese Stilrichtung haben die beiden Delaunayer kontinuierlich weiterentwickelt und zur vollständigen Abstraktion geführt.

Ähnliche Betrachtungen machte Robert Delaunay bei Vollmond und Sonne, beim Auf- und Zuklappen der Blicke; er erfasste die Farbe, die Gegensätze und die wahrgenommenen Punkte in Bandscheibenform. In der ersten Hälfte unseres Jahrhundert war die Kunst durch Ideale und Weltanschauungen geprägt. In der Kunst drückten sich die beginnende Modernität, der technische Wandel, die beunruhigende Gewalttätigkeit der Kriege und die wachsende Individualität des Individuums aus.

Als Erschaffer des Superlativs ging er in die Geschichte ein. Das Wort Schöpfung bezeichnet die Überlegenheit, das Gewicht, von Farben und Formen gegenüber der bloßen Darstellung der Sichtbarkeit. Er war der erste Maler, der die Kunst von allen Referenzen und Erinnerungen der gegenständlichen Lebenswelt säuberte. Pure Formen und pure Farben? und zugleich Anfang und Ende der Kunst.

Damit wurde er zum Pionier des konstruktiven Denkens, das in Russland begann und einen großen Einfluß auf die Kunst Europas hatte. Bauhaus, De Stijl und Concrete Art profitieren besonders von den Werken der KonstruktivistInnen um Vladimir Tatlin (1885-1953). Streng der Objektivität verschrieben, strebte der Künstler eine radikale Reduzierung von Farben und Formen auf die drei Grundfarben Blau, Grün und Grün (und die "Nicht-Farben" Schwarzweiß und Grau) sowie eine geometrische Ordnung von waagerechten und senkrechten Bildteilen an.

Manche entdecken "entartete Kunst" und fördern die realitätsnahe Bemalung, um den Ruhm und die Pracht des Führer darzustellen, andere wollen den ArbeiterInnen und BauerInnen ein Monument errichten und Stalin als den Helden der werktätigen Menschen inszenieren. Die Kunst wurde zu einem politischen Propagandawerkzeug. In der zweiten Neuzeit wurde die Abstraktion wiederentdeckt.

Diese nach dem Ersten Weltkrieg entstandene Künstlervereinigung umfasste vor allem aus dem Ausland stammende Maler, die sich vom Ausdruck des Ausdrucks inspirieren ließen. Das Entstehen der Abstraktion der Ecole de Paris war kein bahnbrechender, sondern ein kriechender Prozess. Mit der Abstraktion von Klee beginnen Jean Bazaine und Alfred Manessier als erste in der Band.

Ernst Wilhelm Nay (1902-1968) hat in Deutschland als erster abstrahiert gemalt. Sein Werk war im Ausdruck verwurzelt, doch schon bald bevorzugte er das Typische gegenüber dem Individuum, von der Dynamik der Ausdrucksform hin zu einem expressiv nervösen visuellen Rhythmus. Farben waren kein Mittel des Ausdrucks mehr, sondern eine eigenständige Bildform. In seinen Gemälden bewegt er sich zwischen einer surrealen Wunschwelt und gegenstandsloser Gemälde.

Wol' Arbeit hat zu einem der heftigsten Umbrüche in der Geschichte der Kunst des zwanzigsten Jahrhundert geführt. Bis in die 1960er Jahre hinein wurden und existieren neben dem reinen Ausdruck des künstlerischen Informel der Tatsachen der Abstraktionismus. Kunstschaffende beider Kunstrichtungen wollten die Kunst vom Minimalismus, den Überlieferungen der antiken Modernität und den Begrenzungen der "abstrakt verkleideten Bourgeoisie" erlösen.

Informell und tachistisch waren die Ausläufer des in New York geborenen und in Europa verbreiteten Austausches. In der Nachkriegszeit wuchs hier eine lebhafte Künstlerszene, die sich den Einflüssen der Kunst Europas nicht entziehen konnte, sondern immer unabhängiger wurde und immer neue Kunstler aus dem antiken Europa aufnahm. New York hat in den 1950er Jahren schließlich Paris als Kunstzentrum abgelöst.

Jackson Pollock (1912-1956) wurde der herausragende Begründer der Kunst jener Jahre. Auf den Fußboden hat er eine Plane gelegt oder schräg gestellt und in wilder Gestik mit Spritzern, Nieselregen und Flecken bemalt. Die Kunst wurde so der Projektionen beraubt und in Manifestationen umgestaltet. Im Mittelpunkt steht dabei die räumliche Struktur und Bewegung der Farben.

Dadurch wird in den Aufnahmen das GefÃ?hl einer grenzenlosen Ausdehnung erzeugt, die nur mit Farben erzeugt wird, einem Motiv ohne Beginn und Ende und ohne Mitte. Op Art (aus dem Englischen Optical Art = Optical Art) hat in den USA eine weitere Variante des konstruktiven Denkens entwickelt, die in den späteren 50er Jahren begann.

Wichtigster Repräsentant dieser Kunstbewegung war neben der Künstlerin Bruce T. B. Bruce Vasarely, deren farbenfrohe Abbildungen den Anschein von Raumtiefe erwecken oder gar vom Gemälde abzuheben sind. Der letzte große neue Stil des zwanzigsten Jahrhundert ist die Minimalismus- und Konzeptkunst. In den sechziger Jahren entsteht die Minimalkunst als Kontrabewegung zur Gestusmalerei des abst.

Minimale Kunst repräsentierte eine extreme Reduzierung auf die geometrischen Figuren wie Würfel, Quadrate, Kugeln und Zapfen, meist in überdimensionalen, raumfüllenden Gestalten, ohne jegliche symbolische oder metaphorische Verweise. Minimalkunst sah sich vor allem als amerikanischer Kunst und unterschied sich bewußt von der europäischen Kunst jener Zeit.

Hard Edge Painting" war eine besondere Form der Minimalkunst. Harter Rand (dt.: scharfkantig) beschreibt ein Bild, das nicht abbildend ist und keine auf den ersten Blick erkennbare Kompositionstheorie verwendet. Konzeptkunst (Concept Art) taucht wie die Minimalkunst in den 1960er Jahren auf und ist eine Fortsetzung der Reduzierung mit anderen Methoden.

Es zielt auf eine vollständige Dematerialisierung der Kunst ab; letztendlich existiert die Kunst nicht mehr, sondern wird nur noch als Vorstellung, Plan, Skizze oder Konzeption erkennbar. Typisch für konzeptuelle Kunst werke ist nichts anderes als die Konzeption von Konzepten mit Hilfe abstrakter Informationen und Informationen. Es liegt also an dem Zuschauer und seiner Phantasie, sein eigenes Werk "im Kopf" zu schaffen.

Obwohl die Kunst in Europa nach dem Zweiten Weltkrieg an Dynamik verloren hat, war es nicht ruhig und viele Europäerinnen und Europäer wollen zu Amerika aufschließen. Die Nachkriegszeit war für sie untragbar und sie wollten etwas Unerträgliches. Das ZERO feierte die Farben als Befreiung des Lichtes.

Die Kunst ist seit den 70er Jahren endlich grenzüberschreitend und hat weder Landesgrenzen noch Mitten. Die Kunst wird immer mehr individuell und weniger "organisiert" in der Strömung. Abstrakt und Figurativ wohnen Seite an Seite in Harmonie. Es wird immer wieder Kunst zum Sterben vorhergesagt, manchmal ist es auch Abstraktion, deren Ende vorhergesagt wird, dann wieder ist es Gegenständlichkeit, die ihr Ende nachweist.

Nebst Gemälde und Skulpturen haben sich auch Action Art, Fotografie, Video und Computer Art durchgesetzt.

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